L'Estro Vario

La solitudine

2009-03-07T01:37:00.000-08:00

In questo caso si tratta di quella dei numeri primi. Mondadori editore.

L'ho preso in mano e non sono più riuscito a scollarmene. Come fosse colla. Proprio così, c'era qualcosa di veramente appiccicoso sulla copertina. Visto che non riuscivo a liberarmene, ho pensato di leggerlo. Poi ho deciso di amputarmi una mano, davvero, fa così tanto schifo.

L'autore, P. Giordano, proviene da studi scientifici e sembra confermare la teoria che questi studenti facciano meglio a non scrivere che cifre e segni algebrici per il resto della loro vita. Fossi il suo editore, gli regalerei una calcolatrice.

I temi di questo materiale da ardere sono: autolesionismo, anoressia, sesso morboso e assenza di mestruazioni. Se a ciò si aggiunge il fatto che l'autore proviene da quel bersaglio per asteroidi chiamato Torino, ecco arrivare puntuale un premio Strega. Primo Levi, Dino Buzzati e Cesare Pavese saranno felici di essere morti.

Solo la ripetuta lettura de Il deserto dei Tartari mi ha restituito la speranza.

«Non so di chi sei figlio, ma eri mio fratello. Ti voglio bene»

2008-11-22T12:58:00.000-08:00

Regole d’ingaggio di William Langewiesche

Il 19 novembre 2005 a Al-Haditha, in Iraq, un convoglio americano viene distrutto da una mina anticarro: nell’attentato muore un marine. Il tribunale militare di Pendleton sta tuttora conducendo un’indagine – il cui rapporto non è mai stato reso pubblico - sulla violenta rappresaglia subito messa in atto dai marines superstiti. Un fatto quotidiano per chi vive Iraq, un caso di scottante gravità per l’Occidente: a raccontarlo è la voce di William Langewiesche, corrispondente della rivista Atlantic Monthly. Dalle inchieste e dai reportage del giornalista sono nati i suoi libri: Regole d’ingaggio è la quinta pubblicazione italiana, sempre per Adelphi. Langewiesche ricostruisce la vicenda della Compagnia Kilo, giunta al terzo avvicendamento in Iraq e ora protagonista di un caso giudiziario che probabilmente non arriverà mai a una conclusione ufficiale. La morte di un compagno a seguito dell’attentato rivolto contro il loro automezzo, spinge i marines a penetrare nelle abitazioni vicine al luogo dell’esplosione e a ucciderne tutti gli occupanti: «Uccidere non è reato – non in Iraq, non se le regole lo consentono». Due famiglie di civili - diciannove persone innocenti e innocue - vengono brutalmente uccise. Per il Comando americano l’accaduto non è quasi degno di nota, per i soldati direttamente coinvolti si è trattato di applicare alla lettera direttive superiori, che, nella loro ottica, li giustificano pienamente. Con il suo stile diretto, Langewiesche racconta un avvenimento drammatico senza scadere nella banalità, nella commozione facile, nel pathos gratuito. Non c’è retorica sentimentale o compiacimento nelle descrizioni più macabre, ma solo la volontà di restituire il fatto senza omissioni e senza fronzoli. La drammaticità che riesce comunque ad evocare, l’atmosfera che ricrea, la pluralità dei punti di vista che considera, il grottesco concetto di “verità” che emerge sono i punti di forza di un libro che si segnala con la dignità di un’opera letteraria più che giornalistica.

Giovanna Ieluzzi

Diari: dalla Brianza ai Cinema, passando per Cannes

2008-11-21T09:04:00.000-08:00

Diari, film d’esordio del milanese Attilio Azzola

Dopo aver trionfato al “Festival de Cannes” vincendo (primo italiano in assoluto) il Grand Prix Ecrans Juniors come Miglior Film, Diari arriva finalmente nei cinema italiani.

Il film, sostenuto da diverse istitutizioni del territorio lombardo, arriva nelle nostre sale con distribuzione Lab80 (già distributore de “Il Vento fa il suo Giro”, in programmazione a Milano da oltre un anno) con prima visione prevista il 14 Novembre.

Risultato che sembrava essere solo auspicabile meno di un anno fa, è diventato oggi il punto di partenza per una diffusione su scala nazionale nelle sale cinematografiche.

Leo e Ali’, i due giovani protagonisti, ci apriranno le porte della loro vita interiore, regalandoci una panoramica sul micro-cosmo adolescenziale ben lontana dai clichè cui siamo abituati dal mondo dello spettacolo.

Ci spiegano infatti che le loro paure, le loro inquietudini, i loro malesseri hanno radici profonde e hanno a che fare con la necessità di un confronto con i propri genitori, con il bisogno di approvazione da parte dei propri coetanei, con la paura dell’abbandono, della solitudine e con il terrore di non riuscire a trovare se stessi, facendosi travolgere da tutto quello che li circonda.

Un film unico nel suo genere, a metà tra realtà e fiaba, che riesce a parlare di ragazzi a un pubblico di tutte le età.

Come riportato dalle motivazioni della giuria della Croisette: “Un film nel quale, finalmente, noi ragazzi riusciamo a sentirci rappresentati. Anche nel mondo degli adulti”.

Il film verrà proiettato, per la prima milanese, il 5 dicembre al cinema Mexico di via Savona 57 alle 20.30, sarà presente anche il cast.

Buona visione!

Matteo Terzi

Per info:

matteo.terzi@noura.it

Frammenti di verità

2008-11-20T03:03:00.000-08:00

Gli appunti del giudice Paolo Borsellino pubblicati per la seconda volta

«Mafia e giustizia. All'apparenza naturale accostamento dei due termini. La mafia (ass. per. delinq.) è reato e la giustizia è chiamata a reprimerla. Sicché: la mafia prospera se la giustizia non funziona o funziona male». Scriveva così Paolo Borsellino, nel 1990, redigendo appunti che sarebbero poi dovuti servire all'impostazione di discorsi da tenere in pubblico.
È Manfredi Borsellino, Commissario di Polizia a Palermo e figlio del giudice scomparso, ad aver raccolto, nello studio di casa, gli scritti privati, le testimonianze su cui il padre lavorava e che ha lasciato incompiuti alla sua morte. Da essi nasce un libro: Giustizia e verità. Gli scritti inediti del giudice Paolo Borsellino (collana dei Quaderni del Consiglio Regionale delle Marche, 2008), un libro che somiglia forse più ad un quaderno di bozze, note, tracce di discorsi. Giorgio Bongiovanni, direttore della rivista Antimafia 2000, curando la pubblicazione di questi appunti autografi, ha deciso di lasciarli esattamente come erano: frammentari, con le loro abbreviazioni, persino con le freccette messe da Borsellino per collegare i pensieri, intervenendo solo dove la comprensione risultava difficoltosa. Al libro sono accluse le scansioni di alcune pagine di appunti, per il loro indubbio valore di documento e per mostrare la qualità delle scelte editoriali compiute.
Questo per restituire, insieme con i testi, il modo in cui il giudice lavorava, preparandosi a comparire davanti a un auditorio di qualunque genere, ma anche perché essi raccontano un'epoca che ha segnato non la Palermo di allora, ma l'Italia di oggi. Con un tratto sempre più frettoloso, con un'ironia sempre più graffiante, Borsellino sottolinea la sua disapprovazione nei confronti degli attacchi all'indipendenza della magistratura, ma soprattutto nei confronti di una politica antimafia di facciata, nata in seguito all'emotività connessa alla strage di Capaci. Ciò che colpisce, nel quadro complessivo dei pensieri di un uomo impegnato in prima persona nella lotta alla mafia e consapevole di come una sentenza di morte già gravasse su di lui, è la nitidezza di analisi del fenomeno Cosa Nostra, dei suoi meccanismi, del suo potere in quanto “anti-stato”. La questione della criminalità organizzata, oggi, non riguarda solo le cinque regioni italiane direttamente coinvolte dal fenomeno, ma riguarda tutti noi, perché «le mafie non sono solo una organizzazione di persone dedite al crimine, la mafia è un'idea che può insinuarsi nella mente di ognuno: l'idea di prendere una scorciatoia calpestando qualcun altro, l'idea che il più forte abbia il diritto di prevaricare i più deboli, l'idea che il potere e la ricchezza siano la massima aspirazione della vita e che la prepotenza e la violenza siano un mezzo legittimo per raggiungerli», dice Michele Altobelli, Segretario del Consiglio Regionale delle Marche, ente che ha promosso la seconda edizione del volume degli inediti di Borsellino - già arrivato alle stampe nel 2003 ad opera dell'Associazione culturale Falcone e Borsellino e della rivista Antimafia 2000 e sempre curato da Giorgio Bongiovanni. A partire dalla riedizione del libro, inserito nella promozione dei valori che Antimafia 2000 persegue, nascono varie iniziative a carattere nazionale volte a sensibilizzare un pubblico di cittadini prima che di lettori, perché la legalità non è – e non può essere considerata – un problema marginale nella vita di uno Stato. A dare voce a questi e a molti altri temi sono il figlio e il fratello del giudice scomparso, Manfredi e Salvatore Borsellino, che si affiancano alla redazione di Antimafia 2000 nel ricordare il sacrificio di tutte le vittime di mafia e nel combattere per il rispetto delle istituzioni. «Il sogno di mio fratello Paolo era cambiare le cose e lo ha fatto. Come Ingroia, penso che la seconda Repubblica sia nata dal sangue suo e da quello di Falcone» - dice Salvatore Borsellino a Rocca Tiepolo (AN), in occasione del tour promozionale estivo del libro - «Fino alla fine Paolo diceva di essere ottimista, di credere nei giovani. Io non ce la facevo, dopo. Non riuscivo ad andare nelle scuole, a parlare con i ragazzi, perché avevo troppa rabbia. Ho ricominciato solo da poco, da quando il puzzo del compromesso è diventato troppo forte da sopportare». Alle sue parole, nella medesima occasione, fanno eco quelle di Pasquale Zaccheo: «Lo Stato va tutelato con valori puri e va servito con lealtà e sacrificio, con il coraggio di professare sempre la verità». Come diceva Martin Luther King, a far paura non sono le parole dei violenti, ma il silenzio degli onesti.
Giovanna Ieluzzi

Arte a venire - GATE NOW OPEN

2008-11-17T13:32:00.000-08:00

N.O.GALLERY Project Room è lieta di presentare la personale di Massimo Uberti nella nuova sede in Via Matteo Bandello 18

Inaugurazione 20 Novembre 2008, ore 19.00

La mostra resterà aperta al pubblico da giovedì 20 novembre a venerdì 19 dicembre 2008 dal lunedì al venerdì dalle 15.00 alle 19.00. Mattina e Sabato su appuntamento. Domenica chiuso.

Il lavoro di ricerca di N.O.Gallery Project Room prosegue con il progetto espositivo site specific GATE NOW OPEN. Uberti costruisce spazi che divengono fisici e allo stesso tempo si fanno impalpabili. La semplicità formale, propria delle creazioni dell’artista, favorisce un approccio diretto con l’opera e con il senso personale che da essa scaturisce. Massimo Uberti invita lo spettatore ad attraversare una soglia: un cancello aperto evidenzia e ricerca un significato dell’arte che sta oltre la mera apparenza visiva.

Massimo Uberti (1964, vive e lavora a Brescia). Mostre personali selezionate: 2008 Dreams of a possibile city, Fondazione delle Stelline, Milano – 2001 Lucedòro, complesso monumentale di San Salvatore in Lauro, Roma- 1994 La ricchezza, Accademia di Belle Arti di Brera, Milano- - 1990 Signori si chiude!, Spazio di via Lazzaro Palazzi, Milano - Mostre collettive selezionate: 2008 Inscape Landscape, N.O.Gallery in collaborazione con Le Case d’Arte, Milano- 2006 Intangibile Routes in Estrecho Dudoso, Museo de Arte y Diseno Contemporaneo, S. Josè, Costa Rica- 2003 EV+A 2003, Limerick City Gallery of Art, Limerick, Irlanda- 2000 Mind the Gap, Akademie Galerie, Monaco- 1998 Generazione Media, Palazzo della Triennale, Milano- 1995 Campo, Corderie dell’Arsenale, Venezia e Fondazione Sandretto Re Rebaudengo, Torino- 1995 Tradition & Innovation, National Museum of Contemporary Art, Korea- 1992 Entre chien et loup, Centre National d’Art Contemporain de Grenoble, Grenoble.

Arte a venire - MINT

2008-11-17T13:28:00.000-08:00

MINT – Milano International Antiques and Modern Art Fair

III Edizione 19-23 Novembre 2008

Piazzale Cannone del Castello Sforzesco

Dal 19 al 23 novembre si svolgerà a Milano la terza edizione di Mint.

Questa rassegna botique d’arte, unica nel panorama delle fiere d’arte in Italia, darà al pubblico la possibilità di vedere accostate opere di arte antica e moderna.

Questa tendenza, definita croissing, può essere considerato un novità per il mercato dell’arte e risponde alla vocazione sempre più diffusa tra le nuove generazioni di appassionati d’arte di ricercare un raffinato connubio di linguaggi, epoche e stili.

Saranno presenti più di sessanta espositori provenienti da tutto il mondo e sarà possibile ammirare capolavori dalla arte giapponese fino alle ultime opere di Schnabel, dai fondi ori dei maestri toscani fino ai Tagli di Lucio Fontana, dai tappeti e mobili antichi agli oggetti di design contemporaneo.

Tino Sehgal, Fondazione Trussardi alla GAM

2008-11-17T10:49:00.000-08:00

Tino Sehgal The Kiss!

This is so contemporary!! Villa Reale di Milano - GAM, ovvero Galleria d’Arte Moderna, contenitore sfarzoso in cui si trovano opere d’arte di grande valore dal ‘700 agli inizi del ‘900, da Canova ai fratelli Induno, da Segantini a Francesco Hayez. I quadri e le sculture si moltiplicano su due piani della villa, passata tra gli altri dalle mani del general Radetzky e di Paolina Bonaparte, il cui prestigio è sottolineato dall’architettura austera e sontuosa e dalle decorazioni monumentali e nello stesso tempo sensuali del neoclassico Appiani. In questo mese questo spazio si trasforma in quinta teatrale, nel palcoscenico scelto da Fondazione Trussardi, attraverso il suo direttore artistico, Massimiliano Gioni, per presentare in Italia la prima personale del britannico, ma tedesco d’adozione Tino Sehgal. Classe 1976. Si è detto palcoscenico non a caso, poiché la visita a questa mostra non permette di rimanere indifferenti, al contrario è un’esperienza unica, sorprendente e partecipativa. Domenica pomeriggio di Novembre. Ho appena varcato la soglia d’ingresso e un guardiano del museo mi informa su un fatto accaduto oggi, aggiungendo in conclusione “Tino Sehgal”. Mi inoltre nelle sale del palazzo, gremito da numerosi visitatori e turisti, di cui solo una parte è a conoscenza della mostra e, mentre ammiro le splendide (certo con le dovute eccezioni!) opere di cui sopra, e le fantastiche sale affrescate e ricche di stucchi e specchi il cui fulgore è sottolineato dai raggi di sole che si infrangono sulle grandi vetrate, vengo improvvisamente assalita da tre custodi che, invece di stare seduti a controllare il comportamento dei visitatori con un occhio al cruciverba, colti da quelli che sembrano raptus improvvisi, cantano, ballano e declamano un ritornello che continuo ad avere in testa “This is so contemporary, contemporary, contemporary!!” Il primo pensiero che balena in testa è …assurdo!dove sono finita?forse la mostra non è qui, dove sono le opere? Ma proseguendo vengo completamente sorpresa dalla genialità del giovane Sehgal, che, con questa mostra continua a sfoderare tutto il suo anticonformismo, vero o presunto, nei confronti del sistema dell’arte, utilizzando “come opere viventi” proprio loro: i custodi del museo. Per circa un mese sono proprio queste persone, scopro successivamente leggendo il comunicato stampa della mostra, scelte dopo numerose audizioni dall’artista stesso, che diventano opera d’arte o, meglio, che hanno il compito di incarnare, letteralmente!, pensiero, parole e gesti dell’artista. Niente catalogo, niente comunicato, niente contratto, nessuna notizia scritta per Sehgal, ciò che conta è solo la parola: il patto verbale e la suggestione che esso genera. L’arte è comunicazione, lo è sempre stata e così deve restare. La comunicazione è principalmente oralità, scambio di opinioni e punti di vista, ricezione di emozioni. Tutto questo lo si percepisce chiaramente attraversando, una dopo l’altra, le sale della galleria. Dopo il racconto del fatto principale del giorno e il ballo dei guardiani, salgo lo scalone d’onore e mentre inizia ad apparirmi davanti agli occhi il più che famoso quadro del “Quarto Stato” di Pellizza da Volpedo comincio anche a sentire un breve e acuto ritornello cantato da una donna “this is propaganda”….perfetto: quanta verità di fronte al popolo lavoratore che avanza con lentezza! Procedo e mi trovo nel salone da ballo, tutto specchi e cristalli e, proprio tra questi, due ballerini si rotolano in abbracci che ricalcano quelli più famosi della storia dell’arte e si moltiplicano infinite volte. Sto osservando dei fantastici busti di cera di Medardo Rosso e vengo bruscamente disturbata. Un custode mi dice: “Ma sto Seghal cosa vuole? E’ un po’ presuntuoso no, perché è venuto a disturbare noi e i visitatori soliti della GAM?Fa arte? ma come se non vuole che ci siano testimonianze del suo lavoro che si presenta come una leggenda? Vuole farti interagire con “delle opere” eppure tu entri in contatto con qualcosa che già c’è. Vuole uscire dal tempo e dallo spazio, ma facendo arte è impossibile, non puoi uscire dal tempo e dallo spazio…e allora?” Dopo circa una decina di minuti, il custode mi guarda e dice “This is critique” Tino Seghal 2008. Geniale! Il ragazzo di Berlino non scherza! Non lascia neanche spazio alla critica….previene questa possibilità addirittura auto-criticandosi e fornendo spunti per dialoghi sul valore dell’arte contemporanea. Incredibile: dibattito aperto. Arte senza oggetto d’arte. Assurdità o genialità?This is so contemporary!
Cecilia Torchiana

Tino Sehgal, a cura di Massimiliano Gioni- Fondazione Trussardi Villa Reale, Galleria d’arte Moderna. Via Palestro 16, Milano. Fino al 14 Dicembre 2008. Assolutamente da “vedere”!

Control

2008-11-12T05:43:00.000-08:00

Ian Curtis

Il 25 ottobre è finalmente arrivato nelle sale italiane Control, il film di Anton Corbijn ( famoso fotografo olandese padre artistico dei video di artisti come U2, Miles Davis, Depeche Mode, Nirvana e Coldplay) che racconta la storia di Ian Curtis, leader della band inglese Joy Division. Un po’ per provincialismo un po’ per la particolarità della musica il gruppo, che in Europa è di culto e il cui frontman un mito paragonabile a Kurt Cobain, sono pressoché sconosciuti.La pellicola (debutto cinematografico di Corbijn), girata interamente in bianco e nero, per rendere a pieno il periodo storico, racconta la vita di Ian Curtis basandosi sulla biografia della moglie. La fulminante parabola di Curtis e il suo personaggio, carismatico, epilettico, quasi autistico nell’estraneazione, morto suicida a ventiquattro anni, è resa in maniera magistrale. La storia e riportata fedelmente senza essere romanzate, l’unico appunto forse è nell’identificare in maniera troppo insistente come causa del suicidio i problemi sentimentali, dovuto probabilmente al fatto che la storia del film è basato sulla biografia scritta dalla moglie del cantante. Passano quindi in secondo piano lì epilessia, vissuta con angoscia e disperazione da Ian, nonché il suo carattere che lo rendeva si molto sensibile ma anche troppo fragile. Il protagonista è interpretato da Sam Riley (primo film da protagonista), scelto per la grande somiglianza con Ian. Intorno a lui gravitano la moglie Debbie Woodruff interpretata da Samantha Morton, promettente attrice inglese e l’amante Annik Honorè, giornalista di cui Ian si innamora e nel cui ruolo si cimenta Alexandra Maria Lara. Il film racconta la storia di un ragazzo che aspira a qualcosa di molto di più che vivere nella sua Manchester, città industriale e grigia. Ascoltando gente come David Bowie e Iggy Pop decide di cominciare a calcare palcoscenici di periferia con un gruppo di amici sognando di farne la propria vita. Il risultato è esplosivo perché concilia le buone capacità tecniche dei ragazzi con l’anima ferita del cantante nei testi e sposa una voce da oltretomba con una musica distorta accompagnata da percussioni che sembrano arrivare dritte dall’inferno. Le paure e le emozioni che nutrono la sua musica però cominciano a consumarlo lentamente ed inesorabilmente. Sposato e con una figlia già a diciannove anni, non si cura della famiglia che per lui è fonte solo di angosce e paura. Si innamore di una giovane giornalista. Il fatto di essere sinceramente innamorato di entrambe le donne lo porta a soffrire terribilmente e in seguito ad abbandonare la famiglia. La tensione e la fatica però minano la sua salute mentale e con l’epilessia che va ad aggiungersi ai suoi sensi di colpa e alla sua depressione anche quella fisica. Cedendo al peso delle responsabilità, Ian si lascia consumare dalla sua anima inquieta e torturata. Disperato pone fine alle sue sofferenze, suicidandosi a solo 23 anni. Racconta l’attore che lo ha interpretato: “La prima cosa che mi chiedevano tutti era come mi sentissi all’idea di interpretare una leggenda. So che è così che la gente lo vede, ma io non volevo pensare a lui in questo modo. Non puoi interpretare una leggenda senza mettere una certa pomposità nel ruolo mentre lui era una persona normale, un ragazzo come tanti. E’ stata solo la sua morte così prematura a fare di lui un mito che continua ad affascinare la gente.” Un gran bel film. Da vedere.

Lorenzo Maria Alvaro

Petrolio: liquido vitale

2008-11-10T03:10:00.000-08:00

Courtesy Gallery Pack

Ho conosciuto Andrei Molodkin una sera di settembre durante l’inaugurazione di una galleria milanese. Andrei è nato in Russia, a San Pietroburgo e ha prestato, per due anni, servizio militare nell’esercito russo. Durante questo periodo Molodkin si è accostato alla pratica del disegno, che realizza con quelle stesse penne a sfera che vengono date ai soldati per scrivere le lettere ai loro famigliari. Realizza in questo modo delle grandi tele-manifesti che hanno perlopiù come figura dominante quella del teschio, spesso associata a parole di esplicito riferimento politico e religioso. “Who is afraid of the democratic death” è la frase che campeggia su una di queste tele, di dimensioni parietali che rappresenta due enormi teschi, disegnati su sfondo blu e rosso. Il riferimento al paese americano è reso esplicito dalla scelta dei colori che richiamano la bandiera degli U.S.A. nonchè quella russa. Sempre durante il periodo del servizio militare, Andrei decide di utilizzare per le sue opere un altro medium, non proprio prettamente artistico: il petrolio.

L’idea di servirsi di questo liquido nero, viscido e maleodorante, deriva sicuramente da qualche episodio del periodo militare ma ha soprattutto un significato di esplicita valenza politica.
Nell’ opera dal titolo “in God we trust”, Molodkin realizza due piccole sculture in plexiglass, rappresentanti Gesù crocefisso: una di queste è riempita con del liquido rosso , color sangue, e l’altra invece, è riempita con del petrolio. Le due sculture sono collegate, tramite dei piccoli tubi, ad una pompa che, proprio come il diaframma del cuore, spinge i liquidi in esse contenuti, senza però che avvenga mai uno scambio tra questi. Il tutto viene ripreso da una telecamera a circuito chiuso e proiettato a tutta parete. Per rendere l’opera ancora più comunicativa, l’artista ha collegato un microfono alla pompa, ogni volta che questa spinge il liquido nella scultura, il rumore viene trasmesso e amplificato in modo regolare, proprio come i battiti del cuore. L’ opera con le sue pompe e il meccanismo di svuotamento e riempimento delle sculture, diviene la metafora di una trasfusione, come se il petrolio fosse il sangue della terra, che infetta ma allo stesso tempo dona vita. La tridimensionalità della forma scultorea e la dinamicità del petrolio che le attraversa, diventano metafora di trasformazione e di tensione dinamica tra vita e morte. E’ come se ci fosse un qualche riferimento al concetto di Resurrezione, attraverso l’idea del sangue che, dopo aver smesso di scorrere nelle vene, viene trasformato in un altro liquido, scuro ed eterno che si insinua nelle arterie del mondo.
Nelle altre opere realizzate sempre col petrolio, Molodkin, usa scritte tridimensionali di diverso genere: “Democracy”, “Justice”, “y€s”, “$$”, tutti simboli e parole che fanno riferimento ai valori in cui la società odierna tende a credere, ma che oggi sono diventati senza importanza e vuoti; per Molodkin quindi l’unico modo che queste hanno per poter riavere valore è quello di essere“ riempite” col petrolio, che scorrendo come il sangue nelle vene, assume la portata dell’eroina del ventesimo secolo. La visione materialista di Molodkin, incarna una critica che può sembrare banale e ripetitiva, ma viene espressa dall’artista in maniera nuova e molto originale. Le sue sculture, che hanno una vocazione museale più che da galleria, sono di forte impatto visivo e, anche se si può non condividere il suo pensiero e la sua denuncia, non si può non rimanere colpiti dalla forza e dalla grande portata artistica del suo lavoro.

Anna Bernini

"L’arte non è tanto ciò che si fa ma ciò che si è!" A. Jarr

2008-11-06T09:30:00.000-08:00

The Eyes of Gutete, Alfredo Jarr, 1996

L’arte è prima di tutto chiave privilegiata di lettura della realtà. Trovo che sia utile farsi aiutare da un artista a leggere qual è il mondo che ci circonda a porsi domande e a abbozzare delle possibili risposte. L’energia creativa dell’arte che viene messa a servizio della realtà presente con la speranza che questo aiuti a far riflettere e prendere posizione le persone. In quest’ottica It is difficult, la mostra antologica dedicata ad Alfredo Jarr, da sempre impegnato a favore di un’arte legata alla vera realtà del nostro tempo e alle sue urgenze, è un esempio straordinario di questo modo di essere artista “impegnato”. Ciò che maggiormente suscita il mio interesse per questo artista è la sua capacità di smuovere le nostre convinzioni attraverso le opere. Posso non condividere alcune idee politiche, ma non posso negare che l’arte di Jarr favorisca una possibilità di dialogo realmente aperto su temi oggi, nel mondo della globalizzazione e della crisi, particolarmente scottanti. Alfredo Jarr, per la sua formazione architettonica e ancor più per la sua esperienza sotto il regime di Pinochet, per la cui opposizione è stato costretto all’esilio a New York negli anni Ottanta, si è sempre rifiutato di fare “arte per l’arte”, di parlare del concetto di arte in sé o di concentrarsi solo su di un aspetto puramente estetico, formalistico o personale. Al contrario, egli ha sempre cercato di utilizzare tutti questi elementi per aiutare lo spettatore a comprendere qualcosa di più sul mondo in cui viviamo, per interagire con il contesto sociale di oggi. Profondamente critico nei confronti delle modalità che i media utilizzano per fornire informazioni, nelle sue opere, che si tratti di video, light boxes (letteralmente “scatole luminose”, cioè opere tra il pittorico e il fotografico) o installazioni, Jarr ha sempre rivolto un invito allo spettatore a conoscere il mondo sotto un aspetto diverso da quello che giornali, televisione e internet continuamente gli propongono. Le sue opere hanno, quindi, un forte impatto di critica politica e sociale, trattano argomenti tragici come il genocidio ruandese o la situazione di estrema povertà vissuta dai minatori in Brasile, ma nello stesso tempo si caratterizzano per la loro bellezza formale, curata nel dettaglio. Questo aspetto appare chiaramente in Geography=War, installazione composta da 2 opere del 1991 in cui Jarr presenta 6 light boxes le cui immagini di volti umani si riflettono in specchi così da giungere a noi filtrate. L’installazione allo spazio Oberdan rappresenta le nuove tratte delle relazioni internazionali, mentre in quella all’Hangar Bicocca Jarr proietta dentro bidoni neri contenenti liquido scuro, che rappresentano il traffico di rifiuti tossici che dai paesi ricchi dell’Occidente vengono smerciati in Africa, i volti dei bambini costretti a giocare proprio a contatto con questi veleni. Nella splendida quanto tragica installazione The Eyes of Gutete Emerita del 1996, lo spettatore è posto di fronte a un milione di diapositive che ritraggono gli occhi di una donna che ha visto massacrare davanti ai suoi occhi il marito e due figli. Questo milione di sguardi testimonia l’unicità di ciascuno e contemporaneamente è metafora dell’immenso numero di morti nel genocidio ruandese. Nei lavori di Jarr si possono anche leggere richiami alla storia dell’arte, come nel caso dei light boxes simili ai neon di Dan Flavin, considerato un nume tutelare in questa modalità artistica, utili però a riflettere sulle condizioni di singoli minatori brasiliani di cui appaiono i ritratti. L’artista crede fortemente nel ruolo responsabile che può giocare la cultura sulla nostra società e a questo si riferisce il progetto pubblico Questions Questions per la città di Milano. A tutti i cittadini sono rivolte domande sul valore della cultura oggi, con lo scopo di risvegliare l’impegno della collettività perché l’artista è convinto che "l’arte non è tanto ciò che si fa ma ciò che si è". Sebbene possano sembrare un po’ scontati i messaggi di Jarr, mi colpisce molto vedere la conciliazione tra arte, da sempre sinonimo di ricerca di bellezza ma anche di particolare sensibilità, e contesto in cui viviamo. Una grande occasione dunque questa mostra, come testimonia anche Emergencia: la grande installazione costituita da un bacino di acqua nera da cui, ogni 12 minuti, emerge lentamente, per poi sprofondare di nuovo, il continente africano, simbolo per Alfredo Jarr di un’enorme presenza, troppo spesso dimentica dal resto del mondo. Più precisamente questo è il grido che scaturisce da tutte le opere dell’artista cileno in mostra sia allo Spazio Oberdan che all’Hangar Bicocca fino a Gennaio 2009. Da non perdere.

Maria Cecilia Torchiana